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B) A ARTE ROMÂNICA

O estilo românico dominou toda a Europa Ocidental, unida pela mesma fé cristã. Apresentou, entretanto, variações regionais; de acordo com as influências locais diversas, que originaram várias “escolas” românicas. Na antiga Magna Grécia (sul da Itália), são comuns as construções de teto plano, paredes e pisos de mosaico. Em Roma persistem as tradições cristãs primitivas, mantendo-se a planta em cruz latina. Na região de Milão, Como, Pavia, Verona, a arquitetura sofre influência dos lombardos. Na Toscana, mantêm-se as tradições greco-romanas. Em Veneza, a influência bizantina é acentuada. Na França, destaca-se a Escola de Borgonha, orientada segundo as tradições da Abadia de Cluny. Na Alemanha, a influência lombarda dá origem à escola romana.

• Arquitetura Românica

Considerada “arte sacra”, ela está voltada à construção de igrejas, monastérios, abadias e mosteiros – as “Fortalezas Sagradas”. O elemento essencial é a abóbada de pedra, tijolos ou argamassa, em forma de berço dada pelo arco de plena cintra (meia circunferência).

O estilo românico sintetiza a alma dos homens que o criaram. Por um lado reflete o medo que dominava as populações da Europa Ocidental; por outro, exprime o profundo sentimento religioso que marcou o período.

• Pintura

A mitologia e as artes dos romanos, por outro lado, têm influenciado as artes ocidentais, através dos tempos.

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Na pintura, pouco restou, além de exemplares de murais. Estes, no entanto, revelam apurado senso estético e familiaridade com técnicas como a perspectiva e o claro-escuro.

• Escultura

Ao contrário dos gregos – que procuravam exprimir um padrão ideal de beleza humana –, os romanos eram realistas e esculpiam as pessoas tais como eram, mesmo com eventuais defeitos físicos. Além de realista, a escultura romana tinha fins práticos – bustos de imperadores eram feitos para serem venerados – e comemorativos – baixos-relevos e arco de triunfo visavam a imortalizar na pedra, proeza s das legiões nos campos de batalha.

C) A ARTE GÓTICA

Fins do século XII. Graças ao apoio da burguesia e da classe trabalhadora, os reis conseguem retomar sua autoridade. Enfraquecido, o poder feudal vai aos poucos desaparecendo. Pressentindo a queda do feudalismo, a arte antecipa-se aos acontecimentos. E cria novo estilo, que irá conviver durante certo tempo com o Românico, mas atenderá às novas necessidades. Verdadeiro trabalho de “futuristas” da época, o estilo Gótico. Surge pela primeira vez em 1127, na arquitetura da basílica de Saint-Denis, construída na região de Ile-de-France, hoje Paris.

• Pintura Gótica

A pintura gótica continuava sabidamente tendo caráter bidimensional. Fora das catedrais, a pintura gótica encontrava expressão em miniaturas e iluminuras (ornamentos que enfeitavam as letras capitulares) que ilustravam livros e pergaminhos inteiramente executados a mão. As iluminuras e miniaturas evoluem para pequenos quadros de cavalete. O primeiro, datado de 1360 e atribuído a Girand D’Orléans, é um retrato de João, o Bom, cujo perfil se recorta sobre o fundo dourado. Remota reminiscência bizantina, e uma das últimas, pois os pintores de cavalete italianos, dispensaram-nas em seus quadros. Formavam duas escolas: a de Florença representada por Giotto di Bondone (1267-1337), de inspiração popular e composição a um só tempo simples e monumental; e a de Siena, mais aristocrática, representada por Simone Martini (1283?-1344), revelando acentuado gosto pelo detalhe, elegância e decorativismo.

• A Escultura Gótica

No século XIII a escultura ganha nova importância: são revalorizados em muitos pontos os valores greco-romanos. O italiano Niccolo Pisano foi um dos inovadores empenhados na reformulação dos padrões góticos. Mantém os motivos religiosos, mas coloca expressões e sentimentos marcadamente humanos. A arte é sensivelmente marcada por transformações, que caracterizam o movimento conhecido como “Renascimento”.

• A Arquitetura Gótica

A arquitetura era a principal manifestação da arte gótica e as demais à ela serviam.

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Da necessidade de construir catedrais que correspondessem à euforia e ao misticismo do povo, surgiu a arquitetura gótica. A construção dos templos, a princípio a cargo de corporações variadas, passou a ser dirigida por mestres leigos, especialistas no estilo gótico.

Os arcos de meia circunferência usados nas abóbadas das igreja românicas, faziam com que todo o peso da construção fosse descarregado sobre as paredes. Isso obrigava a um apoio lateral resistente: pilares maciços, paredes muito espessas, poucas aberturas para fora. O espaço para as janelas era bem reduzido e o interior da igreja escurecia. O arco de meia circunferência foi substituído por arcos ogivais ou arcos cruzados. Isso dividiu o peso da abóbada central, fazendo com que ele se descarregasse sobre vários pontos, simultaneamente. Pôde ser usado material mais leve, tanto para a abóbada como para as bases de sustentação. Em lugar dos sólidos pilares, esbeltas colunetas passaram a receber o peso da abóbada.

O restante do peso foi distribuído por pilares externos. Estes, por sua vez, remetem o peso aos contrafortes – torres pontiagudas e muito trabalhadas, que substituem as maciças pilastras românicas, com a mesma função. As torres dão mais altura e majestade à catedral. As paredes, perdendo sua importância, como base de sustentação, passam a ser feitas com um dos materiais mais frágeis de que então se dispunha: o vidro. Surge a desejada luminosidade. Grandes e feéricos vitrais coloridos ilustram em desenho, cenas da vida cristã. A magia dos vitrais góticos, que filtram a luz do sol, enche a igreja de uma claridade mística que “lembra” a presença “divina”. Entre os templos mais famosos, podemos citar: Chartres, Reims, Colônia, Notre-Dame de Paris, Westminster e Burgos.

• A Música na Idade Média

As artes começaram a diversificar em duas grandes correntes no início da Era Cristã: a arte profana e a arte religiosa. Com os cristãos perseguidos, estes passaram a exercer os seus cultos religiosos em catacumbas, onde fizeram música destinada a esses cultos. Originariamente, estas músicas sofreram influências da música hebráica e dos cantos populares romanos, mas eram construídas com as técnicas dos gregos. As músicas profanas, assim como a língua vulgar, vão penetrando nos ofícios religiosos, até a completa desfiguração destes. O rompimento acontece: a Igreja rejeita tudo o que foi introduzido de estranho em seus rituais.

Coube ao Papa Gregório I (Gregório Magno), no século VI, unificar os cânticos religiosos, como recurso para padronizar a liturgia em toda a Europa. Reuniu num só livro todos os cantos considerados perfeitos, com indicações sobre o modo de cantá-los. O repertório é depurado da influência oriental; a melodia é plana e linear – “cantus planus” (Canto-chão). Os Cantos Gregorianos foram a música oficial da Igreja e das Universidades durante mil anos.

O monge Hucbaldo estabeleceu a pauta de quatro linhas. Começava-se a inventar formas de notação musical. Em seguida, o beneditino italiano Guido D’Arezzo completou a pauta de quatro linhas, atribuindo às notas seus nomes, tirados das sílabas iniciais de um hino a São João Batista: UT queant laxis / Ressomare fibris / Mira gestorum / Famuli tuorum / SOLve polluti / Labii reatum / Sancte Ioannes. No século XVII, o UT passou a ser DO, em homenagem a João Batista Doni.

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No final da Idade Média, o canto gregoriano vai cedendo lugar á música executada a duas vozes, surgindo o contraponto e mais tarde a polifonia, que deu início de uma nova era na música ocidental: o “Renascimento”.

1.1 A ARTE DO RENASCIMENTO

A vida intelectual, nos séculos XV e XVI, foi expressão das novas realidades econômicas, sociais, políticas e religiosas com que o homem se defrontou e que imprimiram certas características à Filosofia, à Ciência e às Artes, no período.

• Um Erro Secular

A palavra “Renascimento”, usada comumente para designar o movimento intelectual do início da Idade Moderna, não traduz, entretanto, o que acontecia realmente. De fato, o homem dessa fase desenvolveu uma mentalidade individualista e crítica, voltada para os interesses materiais e preocupada com a valorização da vida terrena, em oposição aos antigos ideais medievais. Isto fez com que ele imprimisse uma caracterização humanista à cultura intelectual, inspirada nos modelos greco-romanos (clássicos) – civilizações grega e romana comumente conhecidas como civilizações “clássicas”, – para cuja imitação muito contribuiu a fixação, na Península Itálica, de sábios bizantinos, que fugiam ao domínio turco. Nem de longe, no entanto, se pode, hoje, aceitar a idéia de uma “ressurreição” da cultura intelectual, pois a Idade Média foi um período de alta criatividade nesse setor, impregnada porém, da visão espiritualista e mística com que o homem medieval encarava a realidade.

• Características da Arte Renascentista

A arte renascentista caracterizou-se por vários fatores:

- a busca da inspiração nos ideais greco-romanos;
- o homem renascentista valorizava a natureza principalmente a humana;
- o gosto pelo luxo e comodidade;
- como fonte de inspiração, o retorno à natureza;
- grande liberdade criativa;
- o gosto pelos efeitos cênicos e teatrais;
- o dinamismo das figuras, a expressão naturalista;

Com relação à pintura, os maiores avanços técnicos foram obra de flamengos (pintores de Flandres, condado submetido à suserania dos reis da França). Entre eles destacaram-se os irmãos Jan e Hübert Van Eick, que inauguraram a pintura a óleo – dissolvendo as tintas em óleo de linhaça – de execução rápida e fácil, além de oferecer ao artista maiores recursos.

Já a conquista do espaço tridimensionalista é obtida através de vários recursos. Tomaso Masaccio (1401-1428) renega vigorosamente as tradições do Oriente para criar uma pintura monumental de grandes espaços e massas e de feição naturalista e inspiração popular.


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O espaço ganha as três dimensões, o “claro-escuro” sugere volumes e imprime verossimilhança às paisagens e às figuras humanas.

No século XVI surge a figura mais potente de toda a escultura renascentista: Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Tornou-se famoso como pintor, mas seu campo artístico preferido era a escultura. O propósito dominante de todo o seu trabalho foi expressar o pensamento na pedra. Dedicou-se à busca de efeitos emocionalmente vigorosos para exprimir de forma alegórica suas idéias filosóficas. Para isto, empenhou-se no estudo da figura humana em todas as posições, atitudes e expressões. Suas esculturas revelam uma vitalidade até então nunca alcançada por outros artistas.

A arquitetura caracterizou-se pela grandiosidade dos edifícios, que, no entanto, apresentavam linhas simples e simétricas. A adaptação dos modelos clássicos fez-se notar pelo uso do arco plano, das colunatas e das cúpulas. Como exemplo podemos citar a “Basílica de São Pedro” em Roma, e o “Duomo” em Florença.

• Origens do Renascimento e sua Expansão

O Renascimento iniciou-se na Itália, particularmente em Florença, e foi precedido por uma fase de transição, que, pelos fins do século XIII, já paulatinamente ia substituindo a arte gótica. Vamos resumir alguns nomes mais significativos da arte renascentista.

• O RENASCIMENTO ITALIANO

• Na Pintura

O criador e precursor da arte renascentista foi Giotto (1266-1337). Ao contrário dos quadros medievais, em que o homem era retratado como figura plana (homem como ser imaterial), as figuras humanas de Giotto são bem marcadas em suas formas e representadas de acordo com a realidade. Ao contrário dos quadros medievais, que tinham freqüentemente um fundo dourado a simbolizar uma luz sobrenatural, o céu pintado por Giotto é de um azul bem claro, visto ao fundo das brancas muralhas da cidade. Podemos citar entre os artistas do período: Tomaso Masaccio (1401-1428); Sandro Botticelli (1444?-1510). Já no final do século XV e começo do seguinte, a pintura renascentista italiana atingiu o seu máximo esplendor, sobretudo a três gênios: “Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio e Michelangelo.

• LEONARDO DA VINCI (1452-1519)

Não foi apenas um pintor famoso, mas também músico, escultor, arquiteto, filósofo, cientista, engenheiro, anatomista e inventor. Essa não especialização do conhecimento fez dele o protótipo do homem renascentista. Sua pintura, ao contrário da pintura idealista de Botticelli, baseou-se na pesquisa científica da natureza. A natureza para Da Vinci, mantém seus segredos profundamente ocultos, exigindo uma análise minuciosa. Esta pintura científica está bem presente em suas obras “Última Ceia”, “A Virgem dos Rochedos”, “A Gioconda” e “Anunciação”.

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• RAFAEL SANZIO (1483-1520)

Para Rafael Sanzio, não há conflitos entre o paganismo antigo e o cristianismo embelecido terrenalmente. Nesse pintor, encontramos um bom exemplo do humanismo evangélico. Seus ideais são os da doçura e da piedade; a beleza e a verdade se igualam, sendo que a primeira é vista como um fim em si mesmo. Suas principais obras são: “A Escola de Atenas” e “Madona Sistina”.

• MICHELANGELO (1475-1564)

Em Michelangelo podemos notar o conflito entre o paganismo e cristianismo, que aparece sob forma trágica em sua obra. As obras principais como pintor foram os afrescos pintados no teto da Capela Sistina, onde se destacam: “Deus separando a luz das trevas”, “A Criação de Adão”, e “O Juízo Final”. São também notáveis na pintura italiana: Fra Lippo, Fra Angelico, Ticiano, Corregio, Veronese, Ghirlandaio e Tintoretto. Foi Tintoretto (1518-1549) quem introduziu um novo estilo na pintura italiana: o Barroco.

• Escultura

Na escultura, aparecem os primeiros nomes mais importantes nos séculos XIV e XV. Entre eles, os irmãos Pisano (André e Nicolau) e Ghibert. O apogeu da escultura renascentista é marcado por Michelangelo, considerado o maior gênio da humanidade na escultura, onde deixou para à posteridade, admiráveis obras como : Davi, La Pietá e Moisés.

• Arquitetura

Acompanhou a renovação das outras artes plásticas. As mais importantes foram:

- ALBERTI – Um dos fundadores da arquitetura renascentista;
- BRUNELESCHI – Considerado o primeiro grande arquiteto do Renascimento, onde sua obra mais importante é a Catedral de Florença;
- BRAMANTE – Projetista e autor de plantas inclusive a da Basílica de São Pedro, no Vaticano;
- MICHELANGELO – Além de outras obras, projetou a cúpula da Basílica de São Pedro, no Vaticano;

• O RENASCIMENTO FORA DA ITÁLIA

A observação da natureza mais do que à imitação dos clássicos, marcou os artistas renascentistas no norte da Europa. De todas as artes plásticas, a pintura é a que mais se desenvolveu, onde nos países baixos podemos notar os pintores holandeses e belgas: irmãos Van Eick, Roger Van Der Weiden, Memling, Metsys e Peter Breughel. Na Alemanha: Hans Holbein, Alberto Dürer, Lucas Cranach, Matias Grünewald e Alberto Altdorfer.


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- Van Eick (Jan e Hübert – Séculos XIV e XV) – Aperfeiçoam a pintura a óleo. De sua arte, temos uma amostra na “Madonna do Chanceler Rolim”.
- Hans Holbein (1497-1543) – Era o retratista preferido pelos reis e nobres da época. Os retratos mais famosos foram: Erasmo de Roterdão, Henrique VIII e Jane de Seymour.
- Alberto Dürer (1471-1528) – Era considerado o principal artista do Renascimento alemão. Como pintor, deixou obras notáveis.

• Na França

A arquitetura era o principal destaque no Renascimento francês. “Pierre Lescot” (1510?-1578) projetou a fachada principal do Louvre e “Denis Sourdeau” foi o principal projetista do castelo de Chambord.

• Na Espanha

Os arquitetos espanhóis interpretaram o Renascimento à sua maneira: desprezaram a simplicidade e a harmonia de equilíbrio dos edifícios italianos, e, ao lado de enfeites renascentistas, empregavam com profusão e fantasia motivos árabes, sobretudo na ornamentação de igrejas e palácios. E como seu trabalho era semelhante às obras de um ourives (platero, em espanhol), esse estilo recebeu o nome de “Plateresco”. Na pintura, destaque para Doménico Theotocópoulos, de origem cretense, apelidado de “El Greco” que o imortalizou. Embora situado na renascença, seu estilo aproximava-se do barroco. Alguns historiadores o consideram como um caso à parte; outros como precursor do expressionismo e do surrealismo. Dentre suas obras mais importantes: “O enterro do Conde de Orgaz”.

• A Música

Era outra paixão do homem renascentista. A polifonia conheceu o apogeu no século XVI. A escrita musical se desenvolve e a música já é uma diversão da sociedade renascentista. Surgem os gêneros polifônicos da imitação, a missaparódia, a canção polifônica francesa, os madrigais, os balés, todos eles vocais. Os protestantes buscam nas antigas músicas do povo, seus temas musicais. A Igreja Romana, no Concílio de Trento (1545), mostra-se preocupada com o avanço da música protestante. Palestrina dá a solução e surgem os cantos “a Cappella”, eliminando o acompanhamento musical e dando maior destaque às palavras. São composições destinadas à voz humana, destacando o texto litúrgico.

• O BARROCO

Era o estilo que se seguiu ao classicismo renascentista, em fins do século XVI, mantendo-se pujante até os inícios do século XVIII. Conservou muitas das características daquele estilo (inclusive o gosto pelos antigos clássicos), mas se opunha a ele por dirigir-se mais aos sentidos do homem do que à sua inteligência. Por isso, preocupava-se muito com a ornamentação das obras de arte, e com os aspectos contrastantes e trágicos das mesmas.


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Com tais características, o barroco serviu admiravelmente à necessidade de impressionar o povo que tinham os governos absolutos, as igrejas cristãs após a Reforma e a burguesia.

• Características do Barroco

São características principais da arte barroca:

- o predomínio do emocional sobre o racional;
- o artista fica livre de qualquer regra ou padrão para liberdade de criação;
- busca de efeitos decorativos e visuais;
- a busca de forte realismo pela inspiração popular;
- composição dinâmica;
- predomínio da vertical sobre a horizontal com eliminação da linha reta, com fuga do geométrico;
- a estreita relação das artes, através da arquitetura e escultura intimamente ligadas;
- valorização do entalhe na construção de altares, com luxo na decoração e aplicação a ouro;
- pintura de tetos com efeitos ilusionistas;
- fachadas simples, contraste entre a simplicidade do exterior com a opulência decorativa do interior, era a tônica na arquitetura;
- violentos contrastes de luz e sombra eram marcantes na pintura;

• Origem e Difusão do Barroco

Rompendo os padrões estabelecidos pela escola classicista do Renascimento, surge em fins do século XVI uma nova tendência nas artes. É a escola denominada “Barroca”, enfática, violenta, agitada, que domina todo o século seguinte. Procura fundir elementos da arte gótica e renascentista, rompendo ao mesmo tempo os valores aceitos. Abandona o senso de equilíbrio geométrico, buscando despertar surpresa e emoções. Neste intuito, foi pesquisada a utilização de efeitos “Pictóricos”. Michelangelo é considerado por muitos precursor do barroco, pois já apresenta a força de expressão necessária para a obtenção de tais efeitos. Por intermédio de complexos jogos especiais de luz e sombra, era obtido o contraste de diversos relevos de uma escultura. As proporções da figura humana, foram por vezes distorcidas para avivar a dramaticidade. Nesta linha, originam-se estilos particulares, influenciados por características regionais. O estudo da iluminação (luz e sombra) e da variedade de materiais utilizáveis no trabalho do escultor como preocupação central, a fim de que fossem obtidos os melhores efeitos, foi de uma importância determinante para os artistas dos séculos seguintes. Além de Michelangelo, Tintoretto e Ticiano também marcaram o início do barroco.

O novo estilo se definiu e se firmou, à atuação da Igreja Católica que teve seu prestígio abalado pela Reforma Protestante. O Concílio de Trento, dita normas para a arte religiosa, substituindo o humanismo renascentista pela busca dos valores sobrenaturais e religiosos. Embora tenha produzido excelentes obras no urbanismo e construção civil, o barroco se sobressai na arte religiosa.


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2.4 ARTE CONTEMPORÂNEA INTERNACIONAL

Arte contemporânea é a expressão que vai se firmando por inúmeros críticos de arte, após a sucessão à Arte Moderna. Teve início na década de 60 ao fim do movimento abstracionista, onde pretendia restaurar os valores humanos e valorizar a natureza. A evolução das artes é direcionada pelas transformações da visão do mundo. Tanto artistas como espectadores têm participação na obra. Essas obras de arte nos dias de hoje, não pretendem impor nada. Tratam o espectador amigavelmente, esperando que assumam o papel de associado na criação, assim como o público repete em coro um estribilho.

• Pop-Art

Ao começo da década de 60, com o fim do abstracionismo, surge um estilo novo, em oposição ao “não figurativo”. O homem aproveita nos últimos 15 anos, de bens de uma sociedade altamente industrializada. Já não teme a máquina. O homem sim, é seu propagador. Compreendendo a beleza do ambiente, as modificações da tecnologia abrem seus olhos para o mundo. Daí a origem do nome. Esta expressão sugere uma arte para o povo, através do seu dia-a-dia, difundida pelos meios de comunicação em massa, como jornais, revistas exibição de produtos, etc., transformando tudo em motivo para uma obra de arte.

Os principais precursores desse movimento foram: Marcel Duchamps, Schwitters e Picasso. Mas cada um procurava uma simbologia diferente, com filosofias próprias para a comunicação, da época em que viviam. Alguns críticos, pela nova realidade e pelos materiais usados, chamavam-na de “Neo-Dadaísmo” e “Neo-Realismo”. Teve origem nos Estados Unidos, espalhando-se pelo mundo na década de 60. Chamavam-na de “Pop-Art” e teve como artistas que aderiram a esse movimento, nomes como: Olden-burg, Lichtenstein Wesselmann, Hopper, etc.

• Nova Figuração

O novo estilo denominado “Nova Figuração”, que apareceu a partir de 65, apresentava alguns valores comuns com a Pop-Art. É o humanismo, que priorizava à figura humana. Era um realismo baseado no simbólico, expressando um estado de alma, uma emoção, mas com novas formas e expressões originais. Entre os principais artistas encontramos: Balthus, Francis Bacon, Karel Appel (que deixou o abstracionismo), Fernando Odriozola, Maryam, Robert Nelson, Hopper e outros.

• Arte Fantástica

Nesse estilo, o artista contemporâneo procura mostrar um mundo de fantasmas e ficção científica. Difere do surrealismo, pois as imagens não são as do subconsciente. O artista desmistifica os mistérios desvendados pela ciência. São visionários de um mundo novo, usando de técnicas modernas: fiberglass, poliéster, texturas espessas, telas vazadas, etc. Nessa arte encontramos: “Ben Shahn, Sutherland, Ana Gunther, Hassior, Schapiro, etc.


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• Op-Art

O apoio nos estudos sobre a percepção chamou-se “Op-Art”. Os efeitos óticos davam forma e cores aos movimentos produzidos pela visão humana. Em meados de 1965, Victor Vassarely teorizou esta pesquisa, iniciada na “arte concreta”. Ele explorou vários fenômenos visuais, através da percepção do objeto. Com base nas pesquisas perceptivas, Vassarely desenvolveu a arte Op, onde este movimento perceptivo, deu início ao movimento mecânico, na “arte cinética”, que surgiu logo após a Op-Art. Chamamos de “Obra Aberta”, quando o espectador modifica a obra de arte. Obrigando a retina a acompanhar os ritmos e movimentos com acomodação dessa mudança, a participação é efetiva. Pura ilusão ótica. Entre os artistas principais temos: Vassarely, Albers e os brasileiros Almir Vavignier e Waldemar Cordeiro.

• Arte Cinética

Quando o artista consegue uma obra de arte que se mova, chamamos de “arte cinética”. É uma arte espetáculo, pois a tecnologia com a avanço da eletrônica, mecânica e eletricidade, se incorpora à obra de arte. A participação do espectador na criação artística é notória, pois pode modificar a forma, as cores, o movimento e às vezes até o som, deixando de lado sua passividade, podendo modificar, tocando ou acionando-lhe os mecanismos. Algumas obras de Nicolas Schoffer, como “estrutura estética”, são notáveis.

• Arte Contemporânea

Os modernos meios de transportes, o surgimento de cadeias de jornais e TV com transmissão via satélite, encurtaram as distâncias e a circulação da informação. Como conseqüência, as artes visuais tiveram uma aceleração rapidíssima dos estilos e escolas, chamadas de “ismos”. Dois dos mais antigos eventos de grandes exposições periódicas reunindo tendências de produção artística mundial, foram a “Bienal de Veneza” em 1895 e a “Bienal de São Paulo”, em 1951. Em ordem cronológica, as principais tendências são:

• Fauvismo – Apareceu em 1905 em Paris, liderado por Henri Matisse e participação de Vlaminck e Derain. Foi uma fase pequena, mas com influência no expressionismo.

• Primitivismo – Henri Rousseau, francês que representou a chamada arte ingênua, que caracterizava por desenho quase infantil, erros de perspectiva e temas alegres.

• Expressionismo – Estilo que pretendia expressar as angústias humanas durante a I Guerra Mundial. Teve como precursores o norueguês Edvard Munch e o belga James Ensor, além de Van Gogh. Entre 1905 a 1930, aconteceu o principal período na Alemanha. Dos dois grupos expressionistas – Die Brücke e Der Blaue Reiter, surgem Oskar Kokoschka, Emil Nolde e Vassily Kandinsky. Exponencial figura desse século, Kandinsky influiu na Escola Bauhaus e no aparecimento do abstracionismo, pintando em 1910, a primeira obra abstrata.


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• Cubismo – Pablo Picasso, em 1907 marcou o aparecimento do estilo, em que representa os objetos e figuras em todos os ângulos, ao pintar e expor “Les Demoiselles D’Avignon”. Picasso dividiu com Georges Braque, a criação do cubismo e da colagem. Daí, ramificou-se em cubismo analítico, onde na primeira fase houve a desconstrução da figura e, na fase sintética, a reorganização da figura fragmentada. Aparece aí, a colagem, agregando às telas, pedaços de jornais e materiais com grande diversidades.

• Futurismo – O poeta italiano Filippo Marinetti fundou em 1909, um movimento onde celebra a velocidade dos meios de comunicação e transporte e a dinâmica da vida moderna. O estilo de origem literária volta-se para as artes visuais com a liderança do pintor Umberto Boccioni e Giacomo Balla.

• Dadaísmo – Em 1915, fundado em Zurique por Tristan Tzara, caracterizado por violenta revolta contra os valores tradicionais, surge o Dadaísmo. Havia um comportamento comum: a ironia e a provocação. Em 1912, Marcel Duchamp inventa o ready-made (composições existentes com utilização de objetos também existentes) com uma roda de bicicleta sobre um banco de cozinha. Até metade dos anos 20, durou e influenciou o aparecimento do surrealismo e arte conceitual.

• Bauhaus – Era uma escola de arquitetura e artes alemãs fundada em 1919 por Walter Gropius. Seu estilo era de linhas severas, reunindo a forma à função. Com o Nazismo, foi fechada em 1933. Entre os pintores, encontramos Paul Klee e Vassily kandinsky. A Escola Superior da Forma, fundada em 1955 pelo arquiteto escultor suíço Max Bill, em Ulm (Alemanha), foi a filial mais importante. Bill foi pioneiro da arte concreta, com influência no surgimento dessa linguagem no Brasil, na primeira Bienal de São Paulo em 1951.

• Abstracionismo – A arte abstrata que originou do cubismo e fauvismo, deve sua criação a dois artistas russos: Vassily Kandinsky e Kasimir Malevitch. O uso de formas simplificadas, essenciais, como nas esculturas de Brancusi, era outra característica desse estilo. Pode ser geométrico ou informal. A identificação com as pinturas de retângulos de cores intensas de Piet Mondrian com o concretismo, era o estilo geométrico. A caracterização de manchas de cor e gestos de pincel, buscando expressar sensações subjetivas em composições livres, era o estilo informal. O pioneiro desse estilo foi o americano Jackson Pollock, inventor da action-painting (pintura de ação) que era feita de respingos escorridos de tintas. Na França, esse estilo era chamado de “Tachismo”.

• Surrealismo – Em 1924 na França, pelo poeta e crítico de arte Breton, surge o Surrealismo. Foi influenciado com as descobertas das forças inconscientes do pensamento por Freud. Fascinados pela simbologia dos sonhos, os surrealistas queriam atingir o clima fantástico em suas pinturas, através do fluxo das idéias e com eliminação do controle da razão. Salvador Dali, espanhol, foi o mais famoso. Entre outros nomes, temos: os belgas René Magritte e Paul Delvaux; pintura metafísica era o nome dado na Itália e foi representado por Giorgio de Chirico. Os surrealistas em sua maioria, optaram por um realismo mais detalhado da arte acadêmica.

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• Concretismo – As formas geométricas simples, como quadrados, triângulos e círculos em composições planejadas, deu início a uma arte abstrata chamada Concretismo. Este termo, criado em 1930 pelo pintor holandês Theo Van Doesburg, tem como exemplo, a série de pinturas em homenagem ao quadrado do alemão Josef Albers.

• Arte Pop – Na Grã-Bretanha nos fins dos anos 50 e florescendo no início dos anos 60 nos EUA, aparece a Arte-Pop. Utilizava imagens simples com figuras de publicidade, histórias em quadrinhos e tela de cinema. O inglês Richard Hamilton foi um dos pioneiros, mas o mais famoso representante foi o americano Andy Warhol; Jasper Johns criou telas com a bandeira americana; Roy Lichtenstein usava imagens ampliadas de histórias em quadrinhos, etc.

• Minimalismo – Era a chamada arte mínima. O mínimo de recurso e simplificação da forma era a expressão a ser buscada. Surgiu no final da década de 50, sendo o francês Ives Klein, um dos pioneiros. Ives Klein, é também um dos pioneiros da Body-Art (arte do corpo). Já em 1970, nasceu a arte povera (arte pobre), que trabalha com materiais com processo de transformação natural, como o metal enferrujado.

• Arte Conceitual – Foi uma tendência criada por Joseph Kosuth no início dos anos 50, onde visava produzir idéias. Fotos, textos, diagramas, mapas e vídeos, era a diversidade de recursos que usava para tirar o espectador de uma observação passiva.

• Arte Perfomática – Allen Kaprow, criou o happening (acontecimento) para agir no limite entre o teatro e artes plásticas. Nesse estilo, a participação do público é fundamental, derivando a performance, que é cuidadosamente planejada e aí, não prevê colaboração da platéia.

• Transvanguarda – Os jovens artistas, como reação à arte de idéias (arte conceitual) que tinha abolido a pintura, buscaram telas e tintas para resgatar a tradição da arte figurativa alemã e criar o pós-expressionismo. O maior pintor foi o alemão Anselm Kieter. Em 1979, aparece a transvanguarda italiana. Esse estilo usa figuras humanas gigantescas com detalhes neoclássicos. Firmou-se também nesse período, a nova escultura inglesa, atualizando crítica à sociedade de consumo da arte pop nos anos 60, nas obras com fragmentos de lixo plástico de Tony Cragg e recortes de carcaças de carros de Bill Woodrow. Os avanços da tecnologia e invenção de novos aparelhos, geraram novas formas de manifestação artística. A mais expressiva é a videoarte, onde Bill Viola figura como um dos principais nomes. Além disso, outras técnicas atuais são: eletrografia (xerox de gravuras); o holograma (raio-laser) e a computação gráfica.

• Artes Visuais no Brasil

• Registros Coloniais – Johann Traer, influenciado pelo barroco europeu, foi um dos primeiros entalhadores que vieram para o Brasil com os jesuítas.

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Mas a pintura jesuística começou com a chegada em 1587 de Frei Belchior Paulo, que retratou Anchieta. Depois dele, outros vieram como Domingos da Conceição, Agostinho da Piedade e Agostinho de Jesus. Junto com a invasão holandesa, vieram para o Recife em1637, artistas flamengos: Pieter Post, Frans Post, Albert Eckout e Zacharias Wagener.

• Barroco – O barroco, que surgiu na Europa em fins do século XVI e, no Brasil, atingiu o apogeu durante o século XVIII, caracteriza-se pela grandiosidade e pelo gosto das minúcias. Nas construções religiosas, as colunas, os altares, os púlpitos, antes despojados, recobrem-se de espirais, folhas de acanto, cachos de uvas e figuras de anjos, revestidas em ouro. Antes do fim do século XVII e principalmente nas primeiras décadas do século seguinte, o Brasil viveu a febre do ouro. Essa transformação urbana levou ao desenvolvimento harmônico e progressivo da arquitetura, em especial a religiosa. Entre as principais igrejas mineiras, destacam-se as de São Francisco de Assis, uma em Ouro Preto e outra em São João D’El Rei, ambas do escultor e entalhador Antônio Francisco Lisboa (1730 ou 1738-1814), o Aleijadinho. A matéria-prima deste escultor era a pedra-sabão. No Rio de Janeiro, Valentim da Fonseca e Silva, fez importantes planejamentos paisagísticos como o Passeio Público; Em 1800, é fundada a primeira Escola de Arte. Outros nomes da época são: José Teófilo de Jesus, Antônio Velasco, Manuel da Cunha e Francisco Pedro do Amaral.

• Neoclassicismo – Com medidas modernizadoras tomadas pelo príncipe-regente D. João em 1808, estava a vinda de uma missão artística francesa, para fundar no Rio, uma escola de artes e ofícios. Jacques Lebreton (1760-1819) chefiava o grupo que era composto por pintores e arquitetos, escultores e um músico Sigismund Von Neukomm (1778-1858). Mas a animosidade do cônsul-geral francês, bourbonista, contra os artistas, na maioria bonapartistas, as intrigas palacianas e má administração colonial, fizeram após a morte de Lebreton, com que quase todos voltassem à França. A influência da missão francesa marcou as artes plásticas brasileiras de maneira irreversível. Rompendo com a tradição barroca, acrescentou a pintura e a escultura nacionais a modelos já superados na Europa, embora permitindo o aprimoramento de novas técnicas (como a litografia e a água-forte).

















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REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

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Editora Moderna Ltda. - São Paulo - 1976.

FRATELLI, Fabrri - Pesquisas de Conhecer “Cultura e Arte” e “História Universal I”
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JÚNIOR, Raimundo Nery Stelling – Apostila: História e Introdução às Artes.
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SARONI, Fernando – 1929
DARÓS, Vital – 1935 - História das Civilizações I e II
Editora FTD, São Paulo - 1979.







Caxambu, Brasil, 15 de Novembro de 1999.






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